Artistas

ADÉLIO SARRO (Andradina SP 1950). O universo de Sarro é composto de personagens, de trabalhadores rurais que em seus quadros ocupam a maior parte da tela. O trabalho duro caracteriza-se por braços, pernas, mãos e pés com dimensões exageradas, assim como feições muitas vezes carregadas, mas o conjunto todo, na maioria das vezes com animais e instrumentos musicais, produz um efeito suave, multi colorido e harmônico. Sarro expressa o universo de seus personagens também em formas monumentais, como em esculturas e em grandes afrescos de concreto. Suas obras, foram concebidas com muita criatividade e absoluta categoria, e ocuparão o seu devido lugar na história das artes.

ALDEMIR MARTINS (Ingazeiras CE 1922 – São Paulo SP 2006). Aldemir foi considerado um dos melhores desenhistas do mundo pela Bienal de Veneza de 1956. Mas o desenho era só um fragmento da multifacetada personalidade desse artista cearense criado no oco do mundo, a emblemática Ingazeiras, cidade do interior do Ceará, no Vale do Cariri, onde nasceu em 8 de novembro de 1922. Na pintura ou na cerâmica, na gravura ou na joalheria, passando pela ilustração, desenho e escultura, expressou-se com liberdade, sem as restrições do preconceito. A transgressão torna-se uma marca registrada. Gatos, galos, peixes, cangaceiros, cores e rendeiras circulavam livremente em suportes tão pouco convencionais como papéis de carta, copos de requeijão, caixas de charuto, embalagens de sabonete e de sorvete e mais recentemente em embalagens de pizza. (Fonte Estúdio Aldemir Martins)

Aldo Bonadei (São Paulo SP 1906 - idem 1974). Foi um pintor, designer, gravador, figurinista e professor brasileiro, com uma carreira marcada pela experimentação e contribuição significativa para a arte moderna. Entre 1923 e 1928, foi aluno de desenho do renomado pintor Pedro Alexandrino e também frequentou o ateliê do pintor Antonio Rocco. Em 1929, Bonadei se aproximou do professor de arte Amadeo Scavone, o que o motivou a viajar para a Itália entre 1930 e 1931. Durante essa estadia, frequentou a Accademia di Belle Arti di Firenze, onde teve aulas com o pintor Felice Carena e seu assistente Ennio Pozzi, ambos influenciados pelo movimento novecento. Nesse período, Bonadei dedicou-se ao estudo do desenho da figura humana, especialmente o nu, uma fase importante para o desenvolvimento de sua linguagem artística. Ao retornar a São Paulo no início da década de 1930, Bonadei se envolveu ativamente com o Grupo Santa Helena, a Família Artística Paulista (FAP) e o Sindicato dos Artistas Plásticos. Durante esse período, iniciou suas primeiras experiências com a abstração. Entre 1939 e 1941, fez parte do Grupo Cultura Musical, um movimento artístico criado pelo psiquiatra Adolpho Jagle, que promovia reuniões de artistas, e foi nesse contexto que Bonadei desenvolveu um interesse crescente pela arte abstrata. Em 1949, passou a lecionar na Escola Livre de Artes Plásticas, em São Paulo, considerada a primeira escola de arte moderna da cidade. Nesse mesmo ano, também se juntou ao Grupo Teatro de Vanguarda, o que ampliou ainda mais seu envolvimento com as artes cênicas e visuais. No final da década de 1950, Bonadei começou a atuar como figurinista, destacando-se em produções teatrais como Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues, e Casamento Suspeitoso, de Ariano Suassuna, ambas encenadas pela Companhia Nídia Lícia - Sérgio Cardoso. Nesse período, também trabalhou no design de figurinos para dois filmes dirigidos por Walter Hugo Khoury: Fronteiras do Inferno (1958) e Na Garganta do Diabo (1959). Sua carreira multifacetada e seu envolvimento com a arte cênica enriqueceram sua produção visual, tornando-o um importante nome da arte moderna brasileira. (Fonte escritoriodearte.com)

ALFREDO VOLPI (Lucca IT 1896 – São Paulo SP 1988). Um dos artistas modernos brasileiros com o legado mais consagrado e complexo, Alfredo Volpi começou sua carreira pintando paisagens, marinhas e personagens que, ao longo dos anos, foram se transformando em composições estilizadas e geometrizadas presentes no imaginário nacional e internacional até hoje. Volpi nunca se filiou a escolas, apesar de ter tido influências do movimento concretista – sua trajetória, porém, era individual e chegava ao limiar da abstração. Seus quadros mais conhecidos, as “fachadas”, são desta época, que começa nos anos 40. Sua primeira pintura de cavalete data de 1914, mas foi na década de 1930, quando começa a participar do Grupo Santa Helena*, que desponta no cenário artístico paulistano. As obras de Volpi se caracterizam pela mescla entre cultura popular e arte erudita, pela criação de um vocabulário formal geométrico, e pelas cores iluminadas - preparadas artesanalmente pelo artista. A prática artesanal era, para Volpi, uma resistência à automatização e impessoalidade ao mesmo tempo em que afirmava sua trajetória original e isolada. Os principais temas representados nas suas obras eram bandeiras, fachadas e mastros, que eram mesclados por efeitos cinéticos e óticos. Fonte: Galeria Almeida e Dale

BRUNO GIORGI (Mococa SP 1905 – Rio de Janeiro RJ 1993) Do realismo inicial, em que retratou vultos da história, como Camões, o escultor Bruno Giorgi passou a formas estilizadas e de definição cada vez mais simples. A influência do barroco e do inglês Henry Moore se percebe principalmente na série de figuras deitadas ou reclinadas. Nascido em 1905, seis anos depois partiu com a família para a Itália. De 1920 a 1922 estudou em Roma. Adversário do fascismo, foi preso, mas por intervenção do governo brasileiro pôde seguir em 1936 para Paris, onde foi aluno de Aristide Maillol. Em 1939 voltou ao Brasil. Instalou-se em São Paulo, ligou-se ao movimento modernista e depois mudou-se para o Rio de Janeiro. Data dessa época sua primeira escultura ao ar livre, o "Monumento à juventude", instalado no jardim do edifício do Ministério da Educação, hoje palácio Gustavo Capanema, no Rio de Janeiro. Após expor no Brasil e no exterior, Bruno Giorgi participou da I, da II e da IV Bienais de São Paulo, entre 1951 e 1957, e recebeu em 1953 o prêmio de melhor escultor brasileiro. Participou também de duas Bienais de Veneza, em 1950 e em 1952, e residiu por algum tempo na Europa. De volta ao Rio de Janeiro, aderiu ao uso de bronze, trabalhado pelo método da cera perdida, que lhe permitiu criar figuras delgadas e verticais, com menos massa e mais vazios. Em 1959 fundiu em bronze "Guerreiros", para a praça dos Três Poderes em Brasília. Por volta de 1965, passou do figurativismo às formas geométricas e a trabalhar em mármore branco de Carrara. A peça mais importante dessa fase é "Meteoro", no lago do palácio Itamarati, em Brasília. Cerca de dez anos depois de aderir à abstração, Bruno Giorgi voltou à figura humana, com torsos esculpidos em mármore rosa de Estremoz, cidade de Portugal onde montou um ateliê. Morreu no Rio de Janeiro, em 7 de setembro de 1993.

O Fotógrafo Clausem Bonifácio descobriu a fotografia ainda na adolescência, em 1985, quando aos dezoito anos foi estudar nos Estados Unidos, onde fez seu primeiro curso. Regressando ao Brasil, começou sua carreira profissional em Brasília como repórter fotográfico: em1992, foi fotógrafo oficial da comitiva do oceanógrafo Jacques-Yves Cousteau durante a Eco 92; ainda como repórter, trabalhou em quase todas as publicações de qualidade da capital, como editor de fotografia da revista Exportar e Gerência (impresso sobre comércio exterior com uma tiragem de mais de 600 mil exemplares), coordenou vinte fotógrafos em todo o país. Em 1995, Clausem abre sua empresa e passa a trabalhar também com fotografia publicitária. No mesmo ano faz sua primeira exposição fotográfica no Shopping Conjunto Nacional em Brasília, com fotos do projeto cultural chamado Conjunto in Concert. Com seu retorno à música (primeira arte a se dedicar), Clausem passa a fotografar eventos musicais, formando um grande acervo do movimento musical de Brasília dos últimos anos. Em 2001, cobre o Rock in Rio para a revista Porão do Rock e faz sua segunda exposição fotográfica sobre o festival. Em 2003, foi convidado a ser fotógrafo oficial do Brasília Music Festival. Clausem também se especializou em fotografia de arquitetura, paisagismo e Interior, sendo fotógrafo da Casa Cor de Brasília e de Goiás. Em 2003, suas fotos ganharam o primeiro lugar no concurso da Bienal de Arquitetura. Atualmente, Clausem trabalha para as principais publicações de arquitetura do Brasil, além de livros sobre o assunto.

Djanira da Motta e Silva (Avaré SP 1914 - Rio de Janeiro RJ 1979). Djanira da Motta e Silva foi uma artista brasileira que se destacou como pintora, desenhista, ilustradora, cartazista, cenógrafa e gravadora. No final da década de 1930, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde iniciou sua formação artística em um curso noturno de desenho no Liceu de Artes e Ofícios. Também teve aulas com o pintor Emeric Marcier, hóspede da pensão que ela administrava em Santa Teresa. O ambiente da pensão, frequentado por artistas como Carlos Scliar, Milton Dacosta, Arpad Szenes, Vieira da Silva e Jean-Pierre Chabloz, foi decisivo para o desenvolvimento de seu trabalho. Djanira da Motta e Silva estreou em exposições no 48º Salão Nacional de Belas Artes, em 1942, e realizou sua primeira mostra individual no ano seguinte, na Associação Brasileira de Imprensa. Em 1945, viajou para Nova York, onde teve contato com a obra de Pieter Bruegel e conheceu artistas modernos como Fernand Léger, Joan Miró e Marc Chagall. De volta ao Brasil, criou obras marcantes como o mural Candomblé, feito para a casa de Jorge Amado, e um painel para o Liceu Municipal de Petrópolis. Entre 1953 e 1954, Djanira da Motta e Silva realizou uma viagem de estudos à União Soviética. Ao retornar, engajou-se na mobilização de artistas brasileiros, liderando o movimento do Salão Preto e Branco, que protestava contra os altos custos dos materiais artísticos. Um de seus trabalhos mais significativos foi o painel de azulejos Santa Bárbara, finalizado em 1963 para a capela do túnel Santa Bárbara, no Rio de Janeiro. Em 1966, a editora Cultrix lançou um álbum com poemas e serigrafias de sua autoria. Djanira da Motta e Silva foi reconhecida por retratar com autenticidade a cultura popular brasileira. Em 1977, sua trajetória foi celebrada com uma grande retrospectiva no Museu Nacional de Belas Artes. Sua obra se destaca pela representação do cotidiano do povo brasileiro, com forte presença de temas religiosos, paisagens rurais e festas populares. (Fonte escritoriodearte.com)